蜂巢當代藝術(shù)中心榮幸地宣布，2015年11月22日將于A展廳推出“蔚藍之上的聆聽：劉可個展”，呈現(xiàn)劉可包括布面、紙本、裝置等媒材的近年新作。展覽由夏季風策劃，將展出至12月21日。

劉可自2012年至今的創(chuàng)作主要以條狀的色塊來構(gòu)建畫面，不同的顏色的交替使用，垂直排列的色條，色條之間互相滲透，覆蓋，疊壓，讓畫面形成一個既有節(jié)奏又能保持微妙平衡的空間。面對畫布，劉可認為那是“一個只有邊界限定而沒有縱深限定的整體”，色彩之間層面的構(gòu)成是一種“力量對陣”，在不同顏色覆蓋與重疊的縫隙中，都是對空白層的“計量”，當縫隙被擠壓得越小，其承載的“力量”就越大。與此同時，在垂直的色條兩端，藝術(shù)家有意保留了顏料作為物質(zhì)的存在感，通過相互疊壓產(chǎn)生參差不齊的厚度，成為藝術(shù)家創(chuàng)作中釋放出來的“力量”的延伸與證據(jù)。

劉可作品中呈現(xiàn)出來的“力量”以不同方式為觀眾所感受，也許是理性而精準的，但同時也可能是直覺和感受式的。以音樂為比喻，劉可這一時期的作品甚至可以讓人覺察到管風琴音管表面豎直排列的特征，擁有了由此產(chǎn)生并傳遞出來的音樂感，帶給人聆聽管風琴一般的愉悅。

事實上，在劉可以往的創(chuàng)作中，音樂或者說某種似是而非的旋律，自始至終反復出現(xiàn)在他的繪畫作品中。這大概就是康定斯基所說的“圖案背后的音樂模式”。觀看劉可早期的作品，如《抽象一號》（1998年）、“情欲解構(gòu)系列”（2003年）、“聲色系列”（2006-09年）等，我們感受到音樂不同程度的存在，不過更多是相對無序、尚未經(jīng)過加工的原始旋律：混雜的，狂躁的，嘎然而止的，有的音符甚至是拖了一條多余的尾巴。劉可當時的作品在某個層面上也體現(xiàn)出作為“70后”一代藝術(shù)家，難以排斥與抗拒彌漫在八十年代上空那種無所顧忌的戲謔態(tài)度的影響。劉可這個階段的創(chuàng)作是短暫的，藝術(shù)上的自覺讓他快速地擺脫了一地的嘈雜與喧囂，重新確立了創(chuàng)作中那道恒定的秩序邊界。

早在1911年，康定斯基在《論藝術(shù)的精神》一書中說：“一個畫家如果不滿意于再現(xiàn)（不管是否有藝術(shù)性）而渴望表達內(nèi)心生活的話，他不會不羨慕在今天的藝術(shù)里最無物質(zhì)性的音樂在完成其目的時所具有輕松感。將音樂的方法用于繪畫，便產(chǎn)生了對繪畫的韻律，數(shù)學的抽象的結(jié)構(gòu)，色彩的復調(diào)，使色彩運動的現(xiàn)代愿望，現(xiàn)代繪畫也就以音樂中找到了它的諸如抽象、象征等現(xiàn)代意義。”劉可的抽象創(chuàng)作找到了音樂，也找到了輕松感，一種“蔚藍”，它代表一種情緒，是精神以及感官獲得享受后的愉悅。在劉可作品面前，我們所要做的，就是純粹地觀看和聆聽，打開所有的感官倘佯在那一片蔚藍之上。