展覽時間
5月10日-30日
主辦方
圣佳藝術(shù)中心
協(xié)辦方
白盒子藝術(shù)館
特別鳴謝
叁號倉
參展藝術(shù)家
吳大羽、金昌烈、林壽宇、關(guān)根伸夫、菅木志雄、約翰·麥克林、梁紹基、蔡國強、蘇笑柏、梁銓、譚平、李向陽、徐紅明、洪浩、陳文驥、顧小平、徐小國、關(guān)音夫、周陽明、馬樹青、徐震、趙趙、閆冰、鞠婷、伍偉、蔡磊、冷廣敏、姜淼、陳麗珠、萬楊、韓冬
展覽地點
圣佳藝術(shù)中心
北京市朝陽區(qū)東三環(huán)南路76號
5月12日，圣佳藝術(shù)中心將與白盒子藝術(shù)館合作呈現(xiàn)“白中白”主題展圓滿開幕。 展覽以主題群展的形式呈現(xiàn)了中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會現(xiàn)當(dāng)代藝術(shù)版塊的部分拍品。展覽呈現(xiàn)了包括吳大羽、金昌烈、林壽宇、關(guān)根伸夫、菅木志雄、約翰·麥克林、梁紹基、蔡國強、蘇笑柏、梁銓、譚平、李向陽、徐紅明、洪浩、陳文驥、顧小平、徐小國、關(guān)音夫、周陽明、馬樹青、徐震、趙趙、閆冰、鞠婷、伍偉、蔡磊、冷廣敏、姜淼、陳麗珠、萬楊、韓冬等在內(nèi)的，自現(xiàn)代主義以來的三十余位藝術(shù)家的精彩作品，通過藝術(shù)家獨特的創(chuàng)作方式與藝術(shù)理念，給觀者提供了不一樣的視覺體驗，于展廳之內(nèi)，感悟思維的變革、意識的轉(zhuǎn)換之妙。
本次展覽將展至5月30日，圣佳藝術(shù)中心歡迎各位藝術(shù)愛好者在初夏時節(jié)來此共賞現(xiàn)當(dāng)代藝術(shù)的繁花勝景！
展覽前言
白作為一種語言，是視覺的母體，是繪畫得以成立的根源之所在。白作為一種形式，是客觀、沉默不語的形式，沒有針砭和批判，更注重的是體驗和感受所帶來的多面性。白作為一種觀念，則是一種走向內(nèi)心和超驗的存在，是充滿能量的，是有信仰的，是視覺藝術(shù)必須面對的非視覺強度。
本次展覽所選擇的藝術(shù)家，無論在語言上、形式上或者是觀念上，都在作品中傳達著“白”的意趣。展覽以“白中白”為主題，呈現(xiàn)一個由作品和作品、作品和空間組成的，充滿空間余韻的“白中白”場域。每件作品也不再僅僅是獨立的作品，而是整個場所和狀態(tài)的開啟，讓觀眾得以在其中，充分感受四兩撥千斤的極少語言，所傳達的微妙感受和豐富精神性，并體察身處其中的身體感知。
在我們所處的當(dāng)今社會現(xiàn)狀和日常生活中，豐富的事物中包含著大量的虛無，流行的東西轉(zhuǎn)瞬即逝。而作品之所以能夠超越時代生生不息，依賴的不是觀念的確立也不是物質(zhì)的力量，是其中所包含的難以言明的超越性的詩意。或許，“白”所代表的極少的物質(zhì)性的表達，能將我們帶向通往內(nèi)在的精神秩序，也能將我們的想象力帶往更遠的征程。
展覽現(xiàn)場
精選展品
無題113
吳大羽
布面油彩
52.2×37.2cm
1980
來源：
1.原藏家直接得自藝術(shù)家家屬
2.北京保利2016秋拍 Lot3709
出版：
1.《吳大羽作品集》，人民美術(shù)出版社，2015年，P160；
2.《飛羽掠天——吳大羽作品集》，商務(wù)印書館，2020年4月，P186。
展覽： 2015年，被遺忘、被發(fā)現(xiàn)的星——吳大羽文獻展，中國藝術(shù)研究院中國油畫院陳列館，北京
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
吳大羽
在吳大羽一生中創(chuàng)作的150余件油畫作品中，于1980年代創(chuàng)作的《無題113》是極為特別的存在?！稛o題113》作為吳大羽晚年創(chuàng)作的杰作之一，展現(xiàn)了他在藝術(shù)上的成熟和個性，同時以明艷的大紅色將如歌的歲月具象化。這幅作品不僅具有深厚的文化內(nèi)涵和藝術(shù)價值，更體現(xiàn)了吳大羽作為中國現(xiàn)代藝術(shù)先驅(qū)的地位和影響力。
《無題113》是唯二將大紅色作為畫面主色的作品之一，在吳大羽作品中通常作畫面輔助色的紅色和黃色在此成為了主角，占據(jù)畫面中最為核心，也最為廣闊的視覺范圍，營造出一種不同于以往作品的特殊心境。
吳大羽本就是將西方抽象藝術(shù)精髓與中國傳統(tǒng)文化內(nèi)涵相融合的大師，在色彩表現(xiàn)力方面始終有著獨特的追求，這一抹亮麗的“中國紅”展現(xiàn)了他對中西方文化以及生命的深刻思考和追求，將物象與韻勢巧妙地融合在一起。這份豁達的心境也體現(xiàn)在作品筆觸的表現(xiàn)上。吳大羽不僅運用書法筆法和油畫技法相結(jié)合，創(chuàng)造出畫面整體的動勢和節(jié)奏感，更是通過線條的交錯和變化，展現(xiàn)出自己晚年瀟灑自如的松弛狀態(tài)。
《無題113》是“勢象”這一繪畫理論的集中體現(xiàn)，通過色彩、線條和形狀的組合，呈現(xiàn)出一種超越客觀物象的抽象之美。這種抽象之美既包含了物象的形式美，又蘊含了精神世界的內(nèi)涵，給人以深刻的思考和感悟。
Painting April 1967
林壽宇
布面綜合材料
78.6×61.6cm
1967
來源：
1.英國倫敦Marlborough畫廊；
2.佳士得香港 2018年秋拍 Lot0408。
出版： 《四位倫敦藝術(shù)家：Gordon House，Colin Lanceley，Richard Lin，Joe Tilson》，Marlborough-Gerson畫廊，黑白圖版，第30圖。
展覽： 1968年2月 四位倫敦藝術(shù)家：Gordon House，Colin Lanceley，Richard Lin，Joe Tilson，Marlborough-Gerson畫廊，紐約
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
林壽宇
林壽宇，1933年出生于臺灣臺中，為臺灣五大家族之一的霧峰林家嫡系，是華人極簡藝術(shù)先驅(qū)。年僅32歲（1964）的林壽宇即獲選參加第三屆卡塞爾文獻展，為臺灣地區(qū)首位獲此殊榮的藝術(shù)家。1967年，他和朱德群、莊喆、丁雄泉、趙無極等人入選美國匹茲堡第四十四屆“卡內(nèi)基國際美術(shù)展”，入選的三件作品是當(dāng)時創(chuàng)作的幾何圖像系列。同館的藝術(shù)大師有新達達主義的Jasper Johns，橫跨色域繪畫和抽象藝術(shù)的Ellsworth Kelly以及抽象雕塑大師 Anthony Caro?？ㄈ麪栁募故?955年戰(zhàn)后由德國藝術(shù)史家們?yōu)橹卣窦{粹時期禁忌的現(xiàn)代藝術(shù)，復(fù)興文化文明而開始在德國卡塞爾每五年舉行一次，展期100天的國際級大展。林壽宇在1964年已進入此高規(guī)格的重要文獻展，代表林氏的藝術(shù)天賦已受到西方藝術(shù)史家們的認(rèn)同，在同期的歐美藝術(shù)家中脫穎而出，作品也被卡耐基學(xué)會收藏。
林壽宇在60及70年代已經(jīng)進入西方美術(shù)館的收藏體系，其作品不僅在世界各個頂尖的美術(shù)館展出，更被英國泰特美術(shù)館、意大利國立現(xiàn)代美術(shù)館、美國卡內(nèi)基學(xué)會美術(shù)館等超過三十間國內(nèi)外一流的美術(shù)館所珍藏。臺北故宮博物院也在1982年收藏了他的作品，為當(dāng)時第一件在世藝術(shù)家的現(xiàn)代作品館藏。林壽宇的藝術(shù)體現(xiàn)了中國文人體悟宇宙奧妙的精髓，我們雖非身處干戈滿目的時代，當(dāng)今瞬息萬變的生活步調(diào)下，能過靜下心來體悟林氏山水，是如此難得可貴。
Sh2012020
金昌烈
布面油彩
72×61.5cm
2011
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
金昌烈
金昌烈是旅居法國的韓國著名的現(xiàn)代藝術(shù)大師，是在西方最有影響的韓國藝術(shù)家之一，更是南韓抽象藝術(shù)運動的核心人物。他的作品經(jīng)過不同時期的轉(zhuǎn)變，與自身的生命經(jīng)驗環(huán)環(huán)相扣，最終回歸到東方哲學(xué)思想。他在創(chuàng)作過程中找到心靈的寄托，并以“水滴畫”為主題貫穿創(chuàng)作生涯，被譽為“水滴畫家”。
他是第一批韓國現(xiàn)代主義畫派的一員，在1965年移居紐約后曾有過一批對純抽象藝術(shù)的研究和創(chuàng)作。1969年移居巴黎，他便開啟了長達四十年對水滴的描繪和對其象征意義的提煉。對于身處戰(zhàn)爭期間的金昌烈來說，曾親眼目睹了生離死別、暴力、斗爭和政治歷史動蕩的日子，這樣的創(chuàng)作題材能夠清除他內(nèi)心的不安與痛苦，有著治愈心靈的作用。通過描繪水滴這個單一的事物，金昌烈發(fā)現(xiàn)了其存在的復(fù)雜性質(zhì)：水是一種溫和的、賦予生命的元素，但也具有破壞和侵蝕的能力，水珠由液態(tài)蒸發(fā)成無形的氣態(tài)，凝結(jié)后回歸成滴液，成為一個無限循環(huán)的過程，好似生命輪回，周而復(fù)始。
對此金昌烈有一個充滿禪意的解答：“畫水滴是為了能在‘水滴’里溶解所有事物，回到透明的‘虛無’狀態(tài)。通過將憤怒，焦慮，恐懼和其他所有事物恢復(fù)為‘空虛’，我們才得以體驗到平靜與滿足。盡管有些人尋求增強‘自我’，但我的目標(biāo)是消滅自我，并尋求表達自我意識的方法。”金昌烈將油彩從畫布背面一抹抹滲透，來展現(xiàn)水珠在現(xiàn)實中出現(xiàn)后的印記，而剩余的水滴呈現(xiàn)出其溶于紙上或散落四周前的最后瞬間。在我們凝視作品的那一刻，時間仿佛定格：靜、動、無、有，一切概念在簡單的水滴面前消失殆盡，只剩這悠悠禪意，如僧侶般敬重虔誠。通過水滴，藝術(shù)家把我們和世界帶到一片和諧之境，宛如佛家僧侶在冥想儀式中重復(fù)地誦經(jīng)與磕拜。
金昌烈對藝術(shù)的熱枕和投入表現(xiàn)在他的哲學(xué)思考和靈巧熟練的技藝當(dāng)中，讓藝術(shù)同等地延伸為神游冥想的過程和對身心個人的重塑。水珠雖然可以是透明耀眼又轉(zhuǎn)眼消逝的空虛存在，但金昌烈的水珠卻能永遠留下美的感動。眾多知名藝術(shù)機構(gòu)都收藏了他的畫作，包括韓國國立當(dāng)代美術(shù)館，巴黎蓬皮杜藝術(shù)中心，日本東京大都會藝術(shù)博物館，美國波士頓美術(shù)館等。
雕刻
關(guān)根伸夫
布面和紙、金箔
97×73cm
1988
展覽： 2022年，「無形之形」大師作品展，寶龍藝術(shù)中心，上海
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
關(guān)根伸夫
1968年，時年26歲的關(guān)根伸夫在神戶須磨離宮公園舉行的“第一屆現(xiàn)代雕刻展”上創(chuàng)作了《位相—大地》（Phase-Mother Earth）：以中國園林山水概念為基礎(chǔ)，在公園內(nèi)挖出一個深2.7米、直徑2.2米的圓坑，而挖出的泥土被塑造壓制成與圓坑大小一樣的圓柱體，矗立在大地上的圓柱體與其旁的深洞形成了對照，這件作品成為“物派”產(chǎn)生的契機。
1970年，他的作品“空相”參加了“第35屆威尼斯雙年展”，不銹鋼柱子上放置了重達16噸的自然形狀的大理石。這件作品在材料關(guān)系中營造了任物體自尋機遇的意境，藝術(shù)的作用就是生產(chǎn)一個“與存在相遇”的結(jié)構(gòu)。作品材料之間充分體現(xiàn)了構(gòu)造與存在的關(guān)于所有物外在的不必要的多余想象，用人為的方式還原物以自然狀態(tài)。
關(guān)根的觀念賦予了超越理性主義和工業(yè)化的文化理想，即他在藝術(shù)中強調(diào)使人的理念融入自然，而不是與自然對抗，即探尋另一種現(xiàn)代性的可能性，其作品通常注重物體之間“關(guān)系”的同時，也將“空間”納入敘述的因素，討論的焦點往往隱形于物物之間似有若無的微妙的“聯(lián)結(jié)”。據(jù)此以最低表現(xiàn)來揭示自然世界的存在方式，人們有機會重新認(rèn)識到世界的“真實”。
Jacob’s ladder
約翰·麥克林
布面油彩
110×63cm
1977
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
約翰·麥克林
約翰·麥克林，英國人，1939年生于英國利物浦，父母為蘇格蘭后裔。麥克林于1957年至1962年就讀于圣安德魯斯大學(xué)，1963年至1966年期間在倫敦考陶爾德藝術(shù)學(xué)院學(xué)習(xí)。從1966年起，麥克林任教于倫敦各藝術(shù)類院校，并于1975年舉辦了第一次個人展覽。1980年后期居住于美國紐約。后工作、生活于英國倫敦。約翰·麥克林是世界最重要的抽象藝術(shù)家之一，因其抽象繪畫中豐富強烈的色彩而著稱，作品被英國泰特現(xiàn)代美術(shù)館、維多利亞與阿爾伯特博物館、中國中央美術(shù)學(xué)院美術(shù)館、廣東美術(shù)館等多家重要公共藝術(shù)機構(gòu)收藏。
約翰·麥克林是美國藝術(shù)評論家克萊蒙特格林伯格最為推崇的藝術(shù)家之一，被西方藝術(shù)界稱之為“偉大的色彩藝術(shù)家”。自上世紀(jì)七十年代以來，受到多位國際重要批評家的支持，包括立體派藝術(shù)專家克里斯托弗·格林，以及紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館繪畫與雕塑部的前任主策展人約翰·埃爾德菲爾德。后者將麥克林對色彩的運用與塞尚和馬蒂斯相類比。
色彩是麥克林所有繪畫作品的根基。他在大幅的畫布上用液體顏料無意識地作畫，采用抽象的、有節(jié)奏的構(gòu)圖方式。麥克林經(jīng)常提及馬蒂斯和米羅的展覽對他的創(chuàng)作所產(chǎn)生的深遠影響，使他能夠探索得到“一種更為熟練的運用形狀的方式”。而麥克林的形狀更為正式，傳達著一定的敘事性，使得他作品中的任何形狀都可以以一種符號或隱喻的方式來闡釋。麥克林將他作品中的抽象元素看作受外部經(jīng)驗影響，并存在著一種情感維度。
無題
譚平
丙烯繪畫
40×30cm
2022
RMB：90,000
譚平
譚平，藝術(shù)家，教育家，中國藝術(shù)研究院副院長。1984年畢業(yè)于中央美術(shù)學(xué)院，八十年代末期留學(xué)德國，獲碩士學(xué)位和Meisterschule學(xué)位。英國金斯頓大學(xué)榮譽博士。曾任中央美術(shù)學(xué)院設(shè)計學(xué)院院長，中央美術(shù)學(xué)院副院長。
作為中國當(dāng)代藝術(shù)領(lǐng)域最重要的藝術(shù)家之一，譚平的藝術(shù)跨越繪畫、影像、裝置、觀念與行動等多種媒介，沿著不同的問題方向展開了多線并行的思考與實踐。自1993年開始，譚平開啟了關(guān)于“一條線”的探索：對“時”與“間”的思考引發(fā)他在多次的“破壞”中塑造出一條“被蠶食的線”；在作品與空間關(guān)系的啟發(fā)下他用“一劃”刻出一條“不斷前行的線”；延續(xù)“內(nèi)觀與自省”的創(chuàng)作理念，他用炭條拉出筆筆相生的“被切斷的線”。2023年，在紅頂當(dāng)代藝術(shù)中心的展覽“侯瑩×譚平 HOU YING & TAN PING”中，“一條線”的創(chuàng)作不再停留在藝術(shù)對于時間、空間、關(guān)系等問題的探討，更涉及了繪畫與舞蹈、哲學(xué)、跨學(xué)科、社會學(xué)、傳統(tǒng)與現(xiàn)實等問題的思考，在“撕裂”中的表達中蛻變?yōu)?ldquo;一條自由生長的線”……在不斷更新對規(guī)則的設(shè)立與挑戰(zhàn)過程中，譚平打破對視覺、形式、觀念和體驗的固有認(rèn)知，在“破壞”與“限制”中創(chuàng)造一種新的藝術(shù)生成機制。
“很多抽象畫家都是從具象繪畫一點點發(fā)展到抽象繪畫的，都是擺脫了對具體物象的描述，尋求更為自由的表達方式，我也不例外。我的藝術(shù)都是隨著個人生活經(jīng)歷的變化而變化。作品中的顏色、線條的描繪都是與我的經(jīng)歷有著密切的關(guān)系。敏感是一個藝術(shù)家最重要的東西，生命中的任何一次觸動都會影響到藝術(shù)家脆弱的神經(jīng)。而小作品更能直接的通過瞬間的表達，呈現(xiàn)生命的永恒。只有這樣，“你”永遠活在你的每一件不同的作品之中。自然長出來的東西，才是最生動和真實的。”
——譚平
有邊之三十七
洪浩
油畫、塑形材料、金銀、箔
60×70cm
2021
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
洪浩
洪浩生于1965年，目前工作和生活在北京。無論是洪浩早期作品中針對全球格局下本土文化價值及身份認(rèn)同的思考，還是自2001年延續(xù)至今的對于消費社會的檔案學(xué)式的研究，均反映出洪浩冷靜而節(jié)制的美學(xué)趣味背后對于社會現(xiàn)實的強烈介入愿望，并在持續(xù)三十年的創(chuàng)作探索中構(gòu)建出一套穩(wěn)定而自洽的價值認(rèn)定系統(tǒng)及視覺系統(tǒng)。洪浩自上世紀(jì)90年代起即頻繁地在國內(nèi)外重要展覽中亮相。洪浩的作品被國內(nèi)外重要美術(shù)館及藝術(shù)機構(gòu)廣泛收藏，包括美國紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館、美國大都會博物館、美國波士頓美術(shù)館、美國洛杉磯保羅蓋蒂博物館、英國大英博物館、英國維多利亞和阿爾伯特博物館等。
對于洪浩來說，藝術(shù)創(chuàng)作不僅是表達方式，也是探索過程本身。從90年代的版畫、攝影系列《Mr.Hong》，到2000年之后的數(shù)碼掃描系列《我的東西》（2001）、《負(fù)部》（2008）、《就勢》（2011），再到后來的抽象色塊《往復(fù)》（2012）、《反光》、《萬相》系列，以及最近的《物境》、《邊境》、《四季》系列，這其中的每一個系列都包含了藝術(shù)家在當(dāng)時提出的新追問。并不像大多數(shù)的藝術(shù)家一樣，洪浩的創(chuàng)作不是等一個系列結(jié)束才開啟一個新系列，而是以問題為導(dǎo)向，在想到新問題之后，就順勢開啟一個新的系列，選擇一種適當(dāng)?shù)男问饺?ldquo;討論”它，有條不紊的讓各個不同系列分別行進。經(jīng)過時間的積累，把這些問題串聯(lián)起來就形成了一套從整體性、系統(tǒng)性出發(fā)認(rèn)識世界的方法論。
2000年以后洪浩的創(chuàng)作，可以歸納為收集、歸檔、測量、分類、隨機五種元素。這些特點可以追溯至藝術(shù)家受版畫學(xué)習(xí)的影響。版畫制作過程中凸顯的簡潔概括的語言、平面化的呈現(xiàn)、中間媒介的轉(zhuǎn)述、程序化的制作工藝以及傾向于理性的敘述方式在洪浩的作品中都得到了某種程度的繼承。
洪浩對掃描的日常物品的圖像進行消解，只留下物體的輪廓線條，強調(diào)物品的體形美，用筆觸加強表面反光和輪廓的立體層次感，暫時拋棄對這些日常物品檔案式的思考，回歸抽象的審美欣賞。通過不同版面之間立體的疊加和抵消，將物品的輪廓進一步消解，使得之前尚且能識別的物體輪廓變得更加難以分辨，無相無形。
光環(huán)
蔡國強
紙本水墨、火藥
65.5×182.5cm
1996-98
簽名： Halo Barcelona, Spain 光環(huán) 1996年西班牙巴塞羅娜 Cai Guo Qiang 1998年草圖制作于臺北
來源： 中國嘉德2020秋拍 Lot1559。
出版： 《蔡國強 泡美術(shù)館》，臺北市立美術(shù)館，2009年出版，P87。
展覽： 2021年，新關(guān)系，嘉里海碧臺，秦皇島中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
蔡國強
蔡國強，1957年12月8日生于中國福建泉州，他的藝術(shù)表現(xiàn)橫跨繪畫、裝置、錄像及表演藝術(shù)等數(shù)種媒材。1986年底-1995年旅居日本期間，他持續(xù)探索從家鄉(xiāng)泉州開始的以火藥創(chuàng)作繪畫的藝術(shù)手法，逐漸推大其作品的爆破規(guī)模和形式，并建立隨后著名的室外爆破計劃。他自1995年開始生活和工作于紐約。
每次的煙花創(chuàng)作，于蔡國強而言都是一次冒險。年輕時，他曾把“火藥”當(dāng)作與自己和解的一個渠道。火藥，充滿著危險和偶然性，是“謹(jǐn)慎”的反面，充滿了“不受控”。這種特殊性，投射在藝術(shù)之上，就意味著更大的自由度和想象力的可能。上世紀(jì)80年代開始，蔡國強持續(xù)探索從家鄉(xiāng)泉州開始的以火藥創(chuàng)作繪畫的藝術(shù)手法，逐漸推大其作品的爆破規(guī)模和形式。
蔡國強的作品以火藥這個中國古老發(fā)明為媒介，與全人類、整部歷史，與整個宇宙建立溝通，他的藝術(shù)是全新的；它從零開始，超越了東西方、傳統(tǒng)與現(xiàn)代、精神文化與大眾文化與大眾文化對立這類陳腐的命題。同時他的藝術(shù)充滿遠見，卻不神秘化；觀念復(fù)雜，又面向世界人民。
電子媒介與根
李向陽
布面丙烯
120×120cm
2017
RMB：150,000
李向陽
“當(dāng)下好的抽象繪畫，在極限上開始工作。它創(chuàng)造一段提出新問題的時間的綿延。利用考古學(xué)和譜系學(xué)的視角，將中國古典繪畫和書法的自然主義的一些功能懸置,使它們展現(xiàn)出一些新的功能。這也是一段悖論性空間,是用空間處理時間的一段空間,在這里,手勢抽象和幾何抽象的新的意義上的結(jié)合是可能的。一切因素在沖擊著邊界。這些因素的其它使用方式將得到表達。一些因素的原有的功能被去除,而無功用性則在這個新的系統(tǒng)中獲得新的意義。藝術(shù)家處于新的一種危險和新的機會之中。這是一種光。”
——李向陽
李向陽，1957年生于北京，畢業(yè)于北京電影學(xué)院美術(shù)系，后又被公派留學(xué)至意大利多年，他的作品在西方藝術(shù)界獲得了極高的評價與贊賞，當(dāng)他創(chuàng)造出最具個人代表性的軟邊材料抽象主義畫作時，布面油畫與現(xiàn)成品的結(jié)合、平面與立體的結(jié)合、動態(tài)與靜態(tài)的結(jié)合...結(jié)合了迥然不同的沖突，形成鮮明而獨樹一幟的風(fēng)格，狀態(tài)油然而生。這種狀態(tài)是李向陽繪畫中最具辨識度的標(biāo)志，讓人聯(lián)想起一種靜謐與熱烈，奇妙地使中式氣韻與西式思想渾然一體。
在他的抽象畫中，線條是最生動的部分，這是李向陽從自然真實中所抽取的一種抽象語言。側(cè)鋒挫筆的線干澀厚重，粗細不均，如樹根裂痕，既構(gòu)成物象，又表達情感。整體形體無序混亂，似是在表達一種不穩(wěn)定的狀態(tài)。色彩黑白相間，鮮明比對之間更加凸顯出狀態(tài)的無序。無疑李向陽的繪畫是動感的，無序亦是生動，在情感的表達上它有著橫沖直撞的不理智。如果說線條是作品的軀干，形體是作品的靈魂，色彩是作品的血液，那么李向陽的作品一定是反映他內(nèi)在真實狀態(tài)的藝術(shù)生命。
絲光隱碑
梁紹基
宣紙水墨、有機玻璃框
58×190cm
2018
展覽：
1.2022年，你的房間，右空間，太原；
2.2022年，ALL INK和而不同——當(dāng)代水墨的多元表達，華藝北京空間，北京
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
梁紹基
梁紹基1945年生于上海，現(xiàn)工作和生活于浙江天臺，曾在中國美術(shù)學(xué)院師從萬曼研究軟雕塑。近28年來，他潛心在藝術(shù)與生物學(xué)、裝置與雕塑、新媒體、行為藝術(shù)的臨界點上進行探索，創(chuàng)造了以蠶的生命歷程為媒介，以與自然互動為特征，以時間、生命為核心的“自然系列”。他的作品充滿冥想、哲思和詩性，并具有虛透絲跡的內(nèi)美。
是中國當(dāng)代藝術(shù)家中，最為持久思考自然如何成為藝術(shù)的藝術(shù)家之一。梁紹基隱居浙江天臺三十多年，從養(yǎng)蠶實驗開始，對蠶的習(xí)性、生命周期、蠶絲的特點以及蠶的基因?qū)W和蠶的人文史，進行了深度的觀察和思考，引導(dǎo)蠶的行動軌跡，通過蠶的吐絲布陣，創(chuàng)造出自然的藝術(shù)品。
為了追求人與自然關(guān)系中最終的和諧，梁紹基在思考與藝術(shù)實踐上從未拘泥于傳統(tǒng)。他積極地融會現(xiàn)代性與當(dāng)代性——特別是對變化、短暫性和不可預(yù)知性這些自然本質(zhì)的強調(diào)——就像發(fā)生在任何靜態(tài)空間內(nèi)的破裂。在對“自然系列”的介紹里，他表示，在對“原始元素”探索的過程中，使他的作品得以超越藝術(shù)創(chuàng)作的傳統(tǒng)定位，并作為一個藝術(shù)與科學(xué)、藝術(shù)與生物學(xué)和生物社會學(xué)、藝術(shù)與藝術(shù)表達的多樣性和宇宙本身之間的一個接口進行運作。
花 202303
徐小國
布面油彩
70×60cm
2023
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
徐小國
徐小國1977年生于陜西西安，2000年畢業(yè)于西安美術(shù)學(xué)院油畫系，現(xiàn)工作生活于北京。徐小國的作品涉及繪畫，圖片，影像，聲音等藝術(shù)形式，近年來獲得“798藝術(shù)節(jié)青年藝術(shù)家邀請展”一等獎，“北京電影學(xué)院國際新媒體藝術(shù)三年展”影像藝術(shù)青年藝術(shù)家學(xué)院獎,“光華千玉獎”等等。其作品多次參加國內(nèi)外重要藝術(shù)機構(gòu)的群展，其中包括瑞士盧塞恩美術(shù)館、莫斯科當(dāng)代藝術(shù)博物館、澳大利亞白兔美術(shù)館、波蘭BWA美術(shù)館、尤倫斯當(dāng)代藝術(shù)中心、今日美術(shù)館、中央美術(shù)學(xué)院美術(shù)館、臺北當(dāng)代藝術(shù)館、臺北關(guān)渡美術(shù)館、澳門藝術(shù)博物館、OCAT當(dāng)代藝術(shù)中心、朱屺瞻藝術(shù)館、石家莊美術(shù)館、當(dāng)代唐人藝術(shù)中心、伊比利亞當(dāng)代藝術(shù)中心、白盒子藝術(shù)館、學(xué)古齋、香港奧沙藝術(shù)中心。
徐小國始終表現(xiàn)出對于繪畫基本問題的興趣，在對線條、形狀、顏色的探究中尋找繪畫結(jié)構(gòu)的張力。線條和色彩是徐小國表述思想的最基本單元，但實驗尚未停止。他每一個階段的工作，都起始于對繪畫史的思考和對自己工作的延展，而后不斷地調(diào)整與找尋新的方向，持續(xù)地挖掘著繪畫的力量。“我的所有繪畫實踐都是為了努力接近光”，藝術(shù)家早期作品創(chuàng)作由具象構(gòu)成。此后，以擦拭畫面中圖像的創(chuàng)作方式，帶著變化走向非具象。相信熟悉藝術(shù)家作品的人，通過這樣的變化，能夠發(fā)掘以拒絕基本的再現(xiàn)、意思疏通，且突破比例法則的，通過倫理性自然構(gòu)成的畫面。
天下 0302FI2062
徐震
布面油彩、鋁
80×100×13cm
2020
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
徐震
徐震®于2012年年中開始創(chuàng)作“天下”系列。藝術(shù)家試圖從藝術(shù)史（或者更確切地說是抽象主義）的視角來論述由以畫筆之外的創(chuàng)作工具帶來的刺激感所產(chǎn)生的的別樣效果。之后他繼續(xù)這一系列的創(chuàng)作，其中作品多數(shù)是單色的。它們與城市俯瞰圖以及新鮮奶油的乳脂流動帶來的模糊的視覺效果出人意料地相似，而這些相似之處最終衍生出該系列的標(biāo)題《天下》。
《天下》繪畫是藝術(shù)家徐震最著名的繪畫系列之一，曾作為紐約軍械庫藝術(shù)博覽會的代言在全球范圍內(nèi)被推崇。徐震®將油畫顏料放在奶油裱花袋里、依循奶油蛋糕的裱花程序制作，而“天下”是點明作品的主旨：天下熙攘?？此茪g躍色彩、柔軟造型的蛋糕，其實象征一座欲望叢林。
猶似剛出爐的新鮮蛋糕上一層濃厚的裱花奶油，令人口舌生津的食物色澤與奶油花形攪拌融合在巴洛克風(fēng)格的雕花叢林里，呈現(xiàn)出一種極端密集與狂歡。愉悅、瘋狂的感官主義作品在具有相同性質(zhì)的現(xiàn)實中，共同構(gòu)成了一種異常奇妙的刺激感受。
一九年的秋天
周陽明
布面油彩
162×130cm
2019
RMB：290,000
周陽明
1971年出生于浙江臺州，修學(xué)于中央美術(shù)學(xué)院徐悲鴻畫室，現(xiàn)工作生活于上海。周陽明的作品貌似極簡，實則是「積極簡成極繁」(栗憲庭語)，栗憲庭將周陽明及同類型風(fēng)格的藝術(shù)定義為《念珠與筆觸》，周陽明用最簡單直接的“劃道”方式消減工業(yè)化氣息，直面原始智慧與人工智能的沖突困擾，還原清凈無染的生命狀態(tài)。周陽明的藝術(shù)跨越了藝術(shù)的烏托邦，使藝術(shù)平等流入每個生命，行為的痕跡療愈著心靈的傷痕，引人進入精神的無限。
面對日常生活的局部現(xiàn)實，周陽明以作品的相對現(xiàn)實給予了回答。這種作品失去了自己的存在的暗示而獲得了燦爛的表面主義。表面主義并非膚淺性，而是對藝術(shù)語言的二維空間性格的良知，對藝術(shù)語言作為創(chuàng)造的客體和主體的意識。當(dāng)藝術(shù)丟棄了作為世界的復(fù)制的烏托邦之后，終于進入了轉(zhuǎn)喻的光彩的空間。
藝術(shù)只是藝術(shù)語言，藝術(shù)家是見證者和行動中的演員。在這一行動中唯一的對話者永遠是語言和探索的規(guī)則。周陽明歷史地接受和發(fā)展了這一分析的立場，通過平面組織空間的部分，而這一空間只是在指涉自己一切只是你看到的東西，一種特殊的空間的現(xiàn)象學(xué)精簡為視覺的和具體的事件。這樣的事件來自地域經(jīng)驗的批判意識和批判實踐，而這種意識和實踐始終超越著無形象藝術(shù)絕對性的神話。
均值202308
顧小平
布面丙烯
150×200cm
2023
RMB：175,000
顧小平
顧小平1969生于中國江蘇揚州，目前生活工作于北京。自上世紀(jì)90代起，顧小平就活躍中國當(dāng)代實驗藝術(shù)現(xiàn)場，以行為，裝置，攝影，影像，繪畫等多媒介方式，針對中國社會轉(zhuǎn)型期的特殊處境與沖突，通過直接甚至極端的手段，嘗試著藝術(shù)的各種可能性，具有挑戰(zhàn)現(xiàn)有社會秩序，顛覆傳統(tǒng)桎悎的爆發(fā)力和無所顧忌的自我表現(xiàn)，來探討事物經(jīng)人的行為干預(yù)，產(chǎn)生視覺異化后，所生成的多種解讀角度，同時對新美學(xué)提出個人的視覺方法論。
“均值”在英文通常被譯為‘Average, Mean’。其中，‘Mean’在漢語環(huán)境下意味著“中庸”之意。中庸，即作為道德理論中不存在“過”與“不足”的行為準(zhǔn)則，推動著藝術(shù)家找到自己的方向，明確自己的意圖。作品題目以及藝術(shù)家所表達的“均值”，并非通過確定兩個極端，以兩個極端值中截取正中心作為中間值，即“均值”，而是站在“善性”最大化的角度考慮并選擇該如何采取下一步行為，而融入在作品中的藝術(shù)家思想與中庸之道一脈相通。藝術(shù)家通過不斷拉動墨繩的方式填充整個平面空間完成其系列作品——《均值》。藝術(shù)家選擇采用中國傳統(tǒng)木匠所使用的墨斗，細繩穿過墨倉，浸滿墨汁，拉動墨繩在帆布上彈開留下一痕墨跡，反復(fù)再反復(fù)，直到完成整幅作品。
珍珠 101616
鞠婷
木板丙烯、亞克力
98×122cm
2016
展覽： 2018年，忽然一夏，星空間，北京
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
鞠婷
鞠婷2007年畢業(yè)于中央美術(shù)學(xué)院版畫系，生活、工作于北京。鞠婷的實踐難以被簡單歸類為抽象繪畫，雖然她將再現(xiàn)性的內(nèi)容明顯地排除在自己的工作序列以外。然而，一層層的色彩以及由手工或工具輔助施加在顏料上的力量視覺化了一種無法言說的現(xiàn)實，即系統(tǒng)的、時刻包含不確定性的形式探索所表現(xiàn)的物質(zhì)現(xiàn)實。鞠婷的創(chuàng)作方法讓外力作用于每個“圖層”，被切割、撕裂的畫面呈現(xiàn)出可塑性，似乎形式從圖像的內(nèi)部有機生發(fā)。
“珍珠”系列的創(chuàng)作更多是源于鞠婷版畫的經(jīng)驗，是一層層套色的關(guān)系，畫面中是有形象的。珍珠是后來越做越多之后，鞠婷覺得也許可以去掉形象。形象被去掉之后，鞠婷思考更多的關(guān)于“自身”，隱喻地表達自身。后來，鞠婷換一種材料——用刀取代筆，但無論何種工具，仍是用繪畫的思維在思考作品。
皮毛-8
伍偉
木板上紙張
80×60cm
2016
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
伍偉
伍偉生于1981年，中國河南省鄭州，2012年畢業(yè)于中央美術(shù)學(xué)院實驗藝術(shù)系，獲碩士學(xué)位，現(xiàn)居北京。
伍偉的作品中充斥著觸感欲望，涉及文明、野蠻、神話的議題，在材料與空間中尋找新的感受和可能。藝術(shù)家對紙張進行裁切、重組，以皮毛的視覺質(zhì)感呈現(xiàn)。作為一種「擬態(tài)」，在作品中時常出現(xiàn)的「獸紋」以及某種附以強烈色彩的「神獸」，既以局部的、可變換的形態(tài)出現(xiàn)，也以純粹的、抽象化的形式語言組織為新的意味。從深層的角度來講，一直以來藝術(shù)家的工作觸及對當(dāng)代文化的思考和質(zhì)疑。他曾在奧地利維也納、德國柏林參與國際藝術(shù)駐
天眼 No.44
姜淼
布面丙烯、刀刻
D：68cm
2020
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
姜淼
姜淼，2005年于中央美術(shù)學(xué)院獲學(xué)士學(xué)位，2009年于中央美術(shù)學(xué)院獲碩士學(xué)位，現(xiàn)為中央美術(shù)學(xué)院版畫系客座教授、職業(yè)藝術(shù)家。中央美術(shù)學(xué)院版畫系科班出身，她早期創(chuàng)作階段便是從黑白木刻的學(xué)習(xí)開始的。近年的作品多以生命為主題，畫面以“八卦”、靈魂符號“旋”和釋放能量的“色彩”為主體。從早年《分生》系列的黑白木刻，到第二階段的《水·界》《文明》等以山水寓形的超現(xiàn)實表達，再到近兩年的《始基之輪回》《天眼》《正覺》《瑞》《無言的秩序》等再造靈魂與能量的生命主題系列作品，可以明顯摸索出一條清晰的嬗變線索。于是，“靈”（Spirit）的概念被用于姜淼的作品表達中。
姜淼始終認(rèn)為，一個完整的作品（注意：是“完整”而非“完美”），是包含了所有的錯誤和不協(xié)調(diào)的，這就是宇宙之大美，是真誠，是存在。黑暗、掙扎和斗爭在宇宙視角下，所謂東方還是西方、人類族群彼此之間的隔閡與爭斗似乎都顯得不值一提。這也是當(dāng)下全球一體化模式走到危機時刻需要迫切思考的問題。
而比之冗贅又虛無縹緲的哲學(xué)理論，更重要的意義在于，藝術(shù)是能跨越人類世俗的現(xiàn)代文明隔閡等議題，進入到宇宙和生命能量的層面去感受生命的流動，于個體而言這是是多維的感知，而不再只是局限于現(xiàn)代主義學(xué)科認(rèn)知的架構(gòu)。
面朝黃土背朝天
閆冰
布面油彩
40×40cm×2
2012
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
閆冰
閆冰，1980年生于甘肅天水，2007年畢業(yè)于中央美術(shù)學(xué)院油畫系第三工作室，現(xiàn)工作生活于北京。在閆冰不同媒介的創(chuàng)作中，他通常直接使用平凡甚至是原始的日常物品為素材，并以繪畫的方式刺探這些平凡之物的精神維度。在他所描繪的這些日常之物的表象下，隱藏的是藝術(shù)家對于生命認(rèn)知的溫度。閆冰的作品中透露出來的情感是復(fù)雜的，在簡單樸素里滲透著感悟與思辨，疼痛和欣喜。在這些散發(fā)著“古意”的作品里，隱藏著閆冰對其個體經(jīng)驗與當(dāng)下生存世界關(guān)系的深刻思考。閆冰的繪畫有著濃郁的古典趣味、深受學(xué)院繪畫的影響和相對遠離社會議題的獨特性。在很長的一段時間內(nèi)，藝術(shù)家都處于一種自持的、孤獨的、自我的創(chuàng)作環(huán)境之中。
老鼠屎
趙趙
布面油彩
100×100cm
2009
簽名： 趙趙 2009.7（背簽）
中貿(mào)圣佳2024春季拍賣會即將呈現(xiàn)
趙趙
趙趙在2003年獲得新疆藝術(shù)學(xué)院美術(shù)系學(xué)士學(xué)位，其后前往北京電影學(xué)院進修。作為80后當(dāng)代中國關(guān)鍵藝術(shù)家之一，熱衷于利用各種藝術(shù)媒介對現(xiàn)實及其意識形態(tài)傳統(tǒng)慣例提出挑戰(zhàn)，強調(diào)個體的自由意志，表達不守成規(guī)與無政府主義的態(tài)度。
作為中國現(xiàn)代藝術(shù)界的領(lǐng)軍人物之一，近年來，趙趙大膽激進、富有挑釁意味，并且不拘泥于一種形式的藝術(shù)實踐，逐漸獲得了國際間的關(guān)注，之后，在不同國家的藝術(shù)機構(gòu)舉辦個展的經(jīng)歷，令其收獲不少好評，而他也漸漸被視作國際知名的新銳藝術(shù)家，更是被Modern Paninters 列為全球最值得關(guān)注的25位藝術(shù)家之一。
