壹美美術館三周年特展《繪畫的故事——以個人為敘事的中國繪畫史》于2022年6月18日正式對外開放。本次展覽由北京實創(chuàng)科技園開發(fā)建設股份有限公司主辦，由壹美美術館承辦，展覽時間為2022年6月18日至2022年8月10日。
《繪畫的故事——以個人為敘事的中國繪畫史》由朱彤擔任策展人、壹美美術館館長路貝擔任總策劃、程辰擔任藝術總監(jiān)，邀請了18位藝術大家，展出42件藝術作品。此次展覽屬于壹美美術館建館三周年活動之一，在參展的藝術家中有多位在過去的三年中都有合作，希望籍由此展覽來梳理、記錄每一位藝術家的生長路徑和藝術思考，去理解他們在不同時期創(chuàng)作出的藝術作品與現(xiàn)實社會、藝術家個體的諸多關聯(lián)。讓觀眾脫離簡單的二維世界，立體地感受到藝術家作品背后那一個個“生動的故事”。
本次展覽將根據(jù)北京市疫情防控條例隨時進行調整，請關注壹美美術館官方公眾號獲得最新信息。
展覽預告片
繪畫的故事——以個人為敘事的中國繪畫史
The Story of Painting：the History of
Chinese Painting with Personal Narratives
展覽日期：2022年6月18日—8月10日
策展人：朱彤
總策劃：路貝
藝術總監(jiān)：程辰
展覽統(tǒng)籌：楊茹
展覽執(zhí)行：張翰濤、鄒映橋、何輝、高珺
參展藝術家：陳飛、范勃、郭祖昌、何多苓、黃一山、劉可、羅荃木、馬軻、龐茂琨、譚平、閆平、尹朝陽、由金、岳敏君、趙趙、鐘飆、周力、朱金石
繪畫的故事：以個人為敘事的中國繪畫史
（中英）
我們慣用什么方式去歸納過去的繪畫藝術，以及去解釋當下的繪畫？
自“新時期”的美術、歷經(jīng)“星星畫會”、“85新潮”，直到“后網(wǎng)絡”、z世代，藝術的媒介在不斷地革新。社會思潮涌入各個學科，交叉并相互影響，繪畫也在藝術內(nèi)部的系統(tǒng)中不斷地“迭代”，面對層出不窮的藝術家面被藝術史“歸納”和“書寫”，我們或許可以帶著批判的角度來看待，抑或提出新的敘事方式以及歸納出新的方法論。
“沒有哲學，只有哲學家”，尼采的論點被挪用于各個學科。“繪畫的故事”，其實是關于藝術家，甚至是畫家作為個體的記敘史。它是這樣一種方式：既不以時間為分界，也不以思潮為合流，更不似博物館學的分類方式。
該敘事方式籍由此展覽，來梳理、記錄每一個藝術家不同的生長路徑和藝術思考過程在整個線性歷史當中的呈現(xiàn)。我們借由觀看圖像的方式，去理解藝術家們的不同創(chuàng)作時期，以及其生產(chǎn)出的圖像（繪畫）與現(xiàn)實社會、藝術家個體的諸多關聯(lián)。展覽《繪畫的故事》嘗試用一種不同的敘事方式，來梳理過去與當下在歷史河流之中的交匯與分支。
我們不能忽略藝術史的發(fā)展對藝術家?guī)淼挠绊?，藝術家既是回溯者，又是延續(xù)者。中國的藝術教育深受西方藝術的影響，而中國的藝術史也融入在世界的藝術史敘事中。在學院，以人體、風景為研究對象的寫生至今仍然在延續(xù)，教學在不斷打破對單一技術的研究，從而走向繪畫與個人經(jīng)驗、文本、敘事以及生活的結合。藝術家走到戶外描摹風景，風景不再是簡單的圖像構成，模特的寫生也不再是訓練的“教具”，模特從教室走向日常生活，對模特的描繪變成了對人的理解，它們超越了寫生的意義， 并帶著藝術家獨有的潔癖和情感。
何多苓以寫生的方式在進行工作，也以寫生的視角在還原著藝術和世界的本源。在他的作品中可以看到“靈韻”的嬗變，而那些與生活相關的更具體的情感所蘊含的氣質則帶有帕慕克筆下“呼愁”的意欲，是一種“美景之美，在其憂傷”的詩意與“鄉(xiāng)愁”，它如影隨形，并不因為你一直身在故鄉(xiāng)就會消失；它時刻流露于藝術家的作品之中，形成了強烈的詩的語言。
何多苓 《寫生大貓2》 布面油畫 120 × 150cm 2013
閆平的作品中充滿了對生命的愛，這種愛連接了她與世間萬物的關系。她以寫生入畫，又顛覆了畫面里的人物、色彩和空間，用強烈的主觀色彩駕馭起自身的超凡想象力。同時，她也是敏感和目光銳利的，帶著對古典藝術的致敬，走出了揮灑、直覺、至情至性的道路。
閆平 《起飛》 油畫畫布 180x200cm 2018
龐茂琨長期關注“鏡像”在繪畫中的運用，這里的“鏡像”并不是拉康式的，而是中國古典文化中的“鏡像”因素。在本次展覽中展出的兩件作品帶有很強的鏡像隱喻和風格化的構圖，他巧妙地將古典主義的高超技巧和寫生賦予的現(xiàn)場感融于對符號的解構和人物的傳寫中，形成獨具中國傳統(tǒng)的情境與意境。
龐茂琨 《暗香》 布面油畫 160x120cm 2015
尹朝陽在本次展覽中的作品以“嵩山”為描摹對象，將身體之力量匯入風景的情感之中，行動的隱喻與人生的感悟化為下筆的動因，在酣暢淋漓的筆法之下，已然超越單純寫生的輕描淡寫，并將其他筆下的風景和個人的意志力合二為一。
尹朝陽 《青綠》 布面油畫 150×200cm 2019
在藝術史的啟示下，技法和材料的運用都為繪畫技術在形式上的革新創(chuàng)造了先決條件。在本次展覽中，我們可以看到眾多的藝術家，他們的作品已經(jīng)經(jīng)歷歷史的洗禮，在經(jīng)久的時間煉金石的錘煉下，形成了自己獨特的藝術語言和作品辨識度。那些歷久彌新的作品，本身和藝術家的個人氣質融為了一體。同時，對美術史“名場面”的“call back”式的致敬和再現(xiàn)，成為了一種慣常被使用的方法。不同的是，他們往往以此為素材，運用在自己的創(chuàng)作中，符號的挪用喚起大眾的常識記憶，并在素材圖層上繼續(xù)自己對技法（透視、顏色、光學）的新嘗試。所以，藝術史的影響是廣泛的，在對藝術史的致敬、延續(xù)和批判中，繪畫的運動在不斷涌現(xiàn)。
陳飛的《祝?！访撎ビ诳ɡ邌痰摹端@》，將美術史的經(jīng)典提煉，進而傳寫入當下時代的基因。他的作品帶有強烈的個人色彩和當代的地域特性，將“靜物”這一美術史中亙古的主題在當代進行全新的詮釋。
陳飛 《祝?！?亞麻布面丙烯 80×99.7×2.5cm 2016
由金將中國傳統(tǒng)的意象符號轉寫為全新的視覺體驗，他作品中天馬行空的符號融合直接呼應最本質的東方人類精神，在由他創(chuàng)造出的全新世界中展開一段繪畫的奇想。新一代的藝術家更關注藝術與日常生活的對照，他們將符號的隱喻帶入一個新的視覺領域，不再在圖像上進行符號鏡頭的硬切換，而是將之融入到自我對空間、生命、社會的思考之中，在這些繪畫里我們看到了嶄新的視覺面貌。如果說追隨藝術史的繪畫藝術家們是在有關風格的歷史研究下進行前圖像志的研究，那么新一代藝術家們的作品總會在內(nèi)在的意義或者內(nèi)容上構成“象征”意義的世界。
由金 《餐霞漱瀣》 布面油畫，丙烯 180×180cm 2022
黃一山致力于在一個平面的空間中展開故事文本的描摹，并通過高超的技藝展現(xiàn)出和物質本身無限接近的質感。在二維的世界中，我們可以輕而易舉地感受到空間的起伏以及故事在空間中綿延的敘事線索。在本次展覽中，我們可以看到藝術家們在二維平面繪畫中的空間表達已接近至臻之境，在繪畫主題和構圖上更多地強調了自身的傳統(tǒng)動因、符號和當下現(xiàn)實場景的結合，我們也可以從中看到互聯(lián)網(wǎng)圖像對藝術家的影響：平面的、色彩炫麗的流行圖像成為新的圖像素材。
黃一山 《比例失衡》 布面綜合材料 200×200cm 2011
我們不得不提及觀念對于繪畫的影響。在展覽中，觀念繪畫不僅影響著幾位主要注重觀念的藝術家，它或多或少都存在于所有繪畫藝術家的某些作品中，或者是以方法論的存在作為創(chuàng)作的動機，他們分別從宗教、歷史、政治、社會現(xiàn)實的角度來探討藝術和繪畫的必要連結。
岳敏君是當代最具代表的現(xiàn)實批判主義藝術家，他的近作《天竺葵、山茶花》源自藝術家在中國西南邊境數(shù)月的生活經(jīng)歷，在疫情爆發(fā)的那幾個月中，他通過繪畫來緩解自身對現(xiàn)實情景的焦慮，同時又希望通過“花”這一寓意為美麗和希望的象征物，揭示美好事物的虛無和迷惑性。
岳敏君 《天竺葵 山茶花等十朵花》 布上油畫 250x200cmx2 2021
趙趙的《神像》是一段關于已然消逝的文化的緬懷，這一系列是藝術家繪畫作品的全新階段，從關注當下的事件到懷古的溯源：難以再解譯的古文字和破損的石像下，我們該如何通過“過去”來重新面對今天的事實。
趙趙 《神像》 綜合材料 109.2×78.2cm 2021
范勃的作品游弋在多元與復雜之間，他的作品正如謎語，而它們在整個展覽現(xiàn)場的呈現(xiàn)又一如謎底的揭曉。范勃關注新的媒介，以及舊范式在新媒介之中的沖突，以造成強烈的反差，并直指一種尖銳的現(xiàn)實。
范勃 《背影-8》 油畫 160×120cm 2022
鐘飆近年的作品充滿對道學的參悟，符號和空間的撕裂在他的作品中顯現(xiàn)出和諧與沖擊共存的圖像，從而產(chǎn)生出超越個人經(jīng)驗的感官體驗。這一切都服從于他“以形顯態(tài)”的繪畫觀念，氣勢磅礴的作品下是藝術家宏大的宇宙觀，將天地人融匯一體。
鐘飆 《三合圖之猴鼠龍》 布面油畫、丙烯195x300cm 2018
羅荃木的作品是冷峻的，即使是一如《蝴蝶泉》中強烈的女性色彩象征，也摻雜著藝術家旁觀者一樣的冷靜視角；他的作品又是音樂性的，在灰色調的的運用上千變?nèi)f化又不失音律的嚴謹。在工廠的工作經(jīng)歷讓他的作品充滿舊工業(yè)時代的浪漫與理性、嚴謹及秩序，同時也映照出他對現(xiàn)實冰冷的呈現(xiàn)和對生活細節(jié)的關懷。
羅荃木 《蝴蝶泉》 布面油畫 250×180cm 2021
郭祖昌關注繪畫圖像在現(xiàn)代社會的現(xiàn)實性，他的作品是對于人間百態(tài)的回應，在追求觀念和反繪畫之間，他仍保持著對具象主義的鉆研和技法，并運用最樸實的繪畫方式堆疊時代的變遷。
郭祖昌 《仿〈千里江山圖＞》，布面油畫，240×120cm，2019年
繼承后現(xiàn)代主義的歷史視角，提出對現(xiàn)實在方方面面的問題，我們可以在這些作品中看到多樣和復雜的觀看視角：一是從繪畫本體語言出發(fā)，把繪畫的技術當作觀念來進行研究；另一類以繪畫作為媒介，來闡述價值觀點。觀念的繪畫所透露出來的內(nèi)在意義與總體文化征象有密切的關聯(lián)，在具備綜合直覺的情況下，觀者可以基于個人的心理和“世界觀”來進行解讀。中國當代藝術雖然只有幾十年的發(fā)展，但就在這社會極具變革性的時代里，各種聚焦于時代和個體的議題在藝術領域里不斷被探討，從“全球化”到“逆全球化”，在后疫情時代的不斷演變中，繪畫需要做些什么，以此來參與這個時代的歷史和變遷。
抽象主義自上世紀初以降，藝術家們在二戰(zhàn)和冷戰(zhàn)的夾縫中再度思考繪畫藝術在當時的生存境遇，又經(jīng)歷美國、歐洲的低谷和高潮，至今都廣泛影響和沖擊著戰(zhàn)后的繪畫史。在中國，當代繪畫的發(fā)展也是從這里開始的。時至今日，我們?nèi)匀辉诶L畫的抽象形式上進行著各種不同的創(chuàng)新和實驗，從早期的抽象表現(xiàn)主義，到在德國的再度繁盛時期，再到極簡主義，偶發(fā)藝術，抽象圖像的表征被不斷地演繹和重復，我們就越是要強調藝術家“個體”的存在，他們是互相不能割裂的完整和統(tǒng)一的共同體。
朱金石致力于在繪畫的當代性中不斷開拓和思考，他的厚畫是時間的疊層，充滿了對“物”的思考和強烈的東方哲學觀；他的繪畫也是身體的繪畫，繪畫的過程正是踐行和表達他抽象觀念和個人意志的實踐。
朱金石 《琴聲在風中扮演的角色》 布面丙烯808×566cm 2021
譚平的作品具備豐富的可能性和開放性，恰恰是因為那些看起來諸多“未完成”的工作，才得以構成藝術家在繪畫上總體的藝術面貌，從而回歸到一個藝術家和他的創(chuàng)作之間最本質的關系。
譚平 《無題》 布面丙烯 100×120cm 2016
劉可在本次展覽中呈現(xiàn)了其最新的作品，新作品源自于他的“漩渦”系列，畫面給人帶來一種打破結構與理性的表達形式，更迭的線條節(jié)奏中精準地表達出一種對抗的力量和瞬間的情感，這種對抗不僅僅是現(xiàn)實的沖突，也是圖像內(nèi)在構成元素中的角力和互搏。
劉可 《迭奏山之一》 丙烯綜合材料 200×200cm 2022
周力的作品融合了個人的經(jīng)歷、生活日常與理想之境，她的作品是極具東方美學的，是個人精神與藝術最高程度的融合，在她心中有一片精神的沃土，而她也正是不斷通過藝術的手段抵達那個地方，她的作品讓我們看到了自然作為主體的強大力量。
周力 《2020年的春天》 布面綜合材料300x1000cm 2020
馬軻在本次展覽中為觀者呈現(xiàn)了今年的新作品《西游記盤絲洞》《凝視》以及一件2020年的舊作《上帝的淚光》。新作呈現(xiàn)的是兩張幾乎相同的圖示的一體兩面， 在圖像之下的敘事有著隱約的關聯(lián)性。馬軻的繪畫是寓言式的，在文本的基礎上又加以對圖像獨特的構成手法，形成一種可以讓觀者脫離符號本身去無限聯(lián)想的視覺。
馬軻 《凝視》 布面油畫 173×239cm 2022
正是因為藝術家的個體性，從歷史的縱向角度和橫向的藝術家樣本的比對，才造就了抽象繪畫在當代的語言系統(tǒng)。在本次展覽上，我們可以看到傳統(tǒng)的東方書寫，和東西方的哲學緊密地形成一種外觀和內(nèi)心的關聯(lián)，是身體與自我世界觀的辯證、是中得心源的。而另外一種抽象圖像則具有很強的敘事性，一如羅森伯格所說：“要畫在畫布上的絕不是一幅圖像，而是一個活動”。誠然，我們無需去通過某種解構主義的方法進行圖像的支解，對圖像在觀看上的解構恰恰猶如管中窺豹，所以我們還是需要回歸藝術家的個體性，強調一種的藝術家的敘事視角，繼續(xù)踐行著巴內(nèi)特?紐曼在宣言中提到的共識，那就是繪畫語言的“舊的共識”。
在最近的威尼斯雙年展中，我們也可以看到繪畫的回歸。而繪畫回歸的趨勢可能早 就悄無聲息地開始了，也或者從未遠離過這個當代藝術的時代。我們可以發(fā)現(xiàn)在近二十年的國際大型雙年展、電影節(jié)中，后殖民主義、身份政治問題一直都是討論的熱門話題，繪畫在雙年展上仍然有它重要的一席之地，并參與到這些議題的討論。正是在一種返璞歸真的理想的驅動下，更多的人愿意參與到繪畫的運動中來，讓我們看到即使是二維的空間世界，也可以講好一個生動的故事，實現(xiàn)自我表達、社會敘事的多重性和有效性。繪畫的故事一直在繼續(xù)，并更加令人期待，我們也將繼續(xù)思考：我們慣用什么方式去歸納過去的繪畫藝術，以及去解釋當下的繪畫。希望通過這個展覽，可以有所啟發(fā)。
朱彤
2020.5.2
In what idiomatic way do we generalize the art of painting in the past and interpret the paintings in the present?
From the art of the new period, through the Stars Art Group and the '85 New Wave, until post-internet era and Generation Z, the medium of art has been constantly innovating. Ideological trends have flowed into various disciplines, crossing and influencing each other. Painting has also continually "iterated" in the internal system of art. Facing with the endless artists " generalized" and "written" by art history, we may be able to view them in a critical perspective, propose a new narrative or conclude a new methodology.
“There are no facts. Only interpretations.” Nietzsche’s argument has been appropriated across disciplines. “The Story of Painting” is actually about the artists or even a narrative history of individual painters. It is such a way neither divided by time nor converging on social thoughts, still less similar to the classification method of museology.
By this exhibition, the narrative sorts out and records the presentation of the different growth paths and artistic thinking processes of each artist in the entire linear history. We can understand the different creating periods of the artists and the many connections among the images (paintings) created by them, the real society and the artists themselves through our ways of viewing. The exhibition The Story of Painting attempts to use a different way of narrative to sort out the intersection and branch of the past and the present throughout history.
We cannot ignore the influence of the development of art history on the artists, as they are not only the reviewers but also the continuators. Art education in China has been deeply influenced by western art, and Chinese art history has gradually integrated into the narrative of the world history of art. In academies, the sketching regarding human body and landscape as subjects of study survives to this very day, and teaching has been constantly making breakthrough to the study of one single technique so that it can move towards a combination of painting, personal experience, text, narrative and life. The scenery is no longer a simple image composition while the artists go outdoors to trace it, sketching of models is also not a "teaching aid" for training anymore. As models move from classrooms to daily lives, depicting of models turns into an understanding of human. They transcend the meaning of sketching with the particular fastidiousness and emotion of the artists themselves. He Duoling works in a way of sketching and also reveals the origin of art and the world from a perspective of sketching. The transmutation of aura can be seen in his works, and the temperament contained in those more specific emotions related to life has the intention of Pamuk's hüzün, which is both a sort of poetry of "The beauty of a landscape resides in its melancholy." and nostalgia. It stalks you and does not fade away even if you have stayed in your hometown all the time. It comes naturally to the artist's works, forming a powerful poetic language. Yan Ping's works are full of love for life, which connects her with all things in the world. She makes her sketches into drawing and upends the characters, colors and spaces, harnessing her wild imagination with intense subjectivity. Meanwhile, she is also sensitive and sharp-eyed. With a tribute to classical art, she has walked the road of creation, intuition and real feelings. Pang Maokun has long been concerned with the use of "mirror" in painting. The "mirror" here is not Lacanian, but the "mirror" factor in Chinese classical culture. His two works exhibited in this exhibition have strong mirror metaphors and stylized compositions. He skillfully combines the superb skill of classicism and a sense of presence endowed by sketching into the deconstruction of symbols and character portraying, forming circumstances and artistic conception with unique Chinese tradition. Yin Chaoyang's works in this exhibition take "Songshan" as their object and integrate the power of the body into the emotion of the scenery. The metaphor of action and the reflection of life both become his motive for painting. Under his brushwork with ease and verve, the paintings have gone far beyond mere sketching, combining the landscapes and his personal willpower into one.
Inspired by art history, the use of techniques and materials has created pre-requisites for the innovation of painting skills in form. In this exhibition, we can see many artists whose works have experienced the baptism of history and have formed their own unique artistic language and recognition of works under the tempering of time. Those enduring works are integrated with the artist’s personal disposition. Meanwhile, the "callback”-style tribute and reproduction of “famous scenes" in art history has become a commonly used method. The difference is that they often use it as a material in their own creations, evoking recollections of the public by the appropriation of symbols, and they continue their new attempts on techniques (perspective, color and optics) on their material layers. Therefore, the influence of art history is extensive, and the movement of painting is constantly emerging among the tribute, continuation and criticism for art history.
Chen Fei's Gifts was modeled after Caravaggio's Basket of Fruit, which refined the classics of art history and then passed it down into this era. His work has a strong personal attribute and contemporary regional characteristics, giving a new interpretation to the constant theme of art history, "still life", at the present age. You Jin transcribed traditional Chinese imagery symbols into a brand-new visual experience. The fusion of imaginative symbols in his works directly echoes the most essential oriental spirit, and unfolds a piece of painting whimsy in a new world created by him. The artists of new generation pay more attention to the contrast between art and daily life. They bring the symbolic metaphors into a new visual field. They no longer operate rigid switching of symbolic lenses on images, but integrate them into their own reflection of space, life and society. A new visual appearance can be seen in these paintings. If the artists following art history are doing pre-iconographic research under the historical research of style, then the works of the artists of new generation will always constitute a world of "symbolic" meaning in terms of inner meaning or content.
Huang Yishan is committed to the description of story texts in a flat space, and the texture infinitely close to the material itself is shown through his superb skills. In a two-dimensional world, we can easily feel the rise and fall of space and the narrative threads of stories that stretch in it. In this exhibition, we can see that the artists' spatial expression in two-dimensional paintings is approaching the perfect state, and they put more emphasis on the combination of their own motivations of tradition, symbols and the present reality in their painting themes and composition. The influence of Internet images on artists can also be seen: flat, colorful popular images are becoming new image elements.
We have to mention the influence of concept on painting. In this exhibition, conceptual painting not just affects several artists who mainly focus on concepts, it resides more or less in some works of all the artists and takes the existence of methodology as the motive of creation. The artists respectively explore the necessary connections between art and painting from the perspectives of religion, history, politics and social reality. Yue Minjun is the most representative contemporary artist of realistic criticism. His recent work Geranium and Camellia comes from his life experiences in the southwest border of China for several months. He relieves his real life anxiety through painting and hopes to reveal the emptiness and deception of great things through "flower", which is a symbol of beauty and hope. Zhao Zhao's Statue of God is a remembrance of vanished culture. This series represents a new phase in his paintings, shifting from current events to nostalgic origin-tracing: How can we face the facts of today through the "past" under untranslatable runes and broken stone statues? Fan Bo's works swim between diversity and complexity, they are just like riddles, whose presentation through this exhibition is like a revealing of the answers. Fan Bo focuses on new mediums as well as the conflict between old paradigms and new mediums to create a strong contrast and point to a tough reality. Zhong Biao's works in recent years are full of his understanding towards Taoism. The tearing of symbols and space presents images of harmony and shock coexisting peacefully in his works, producing a sensation which transcends personal experience. All of this is subject to his painting concept of "showing temperament through form". Underneath the majestic works is the artist's ambitious cosmic view which blends heaven, earth and human beings into one. Luo Quanmu's works are grim, even the symbol with strong feminine characteristics in Butterfly Spring is mixed with his unsentimental view like a spectator. His works are also musical, using gray tones differently without losing the rigor of melody. His work experience in the factory makes his works full of the romance and rationality, rigor and order of the old industrial age, and also reflects his cold presentation of reality and concern for the details of life. Guo Zuchang pays attention to the reality of paintings in modern society. His works are responses to the vicissitudes of life. Between his pursuit of concepts and anti-paintings, he still keeps working on techniques of figurative painting and uses simple methods to pile up changing times.
Inheriting the historical perspective of postmodernism and raising questions about all the aspects of reality, we can see diverse and complex perspectives in these works: one is to start from the ontology language of painting and study painting skills as concepts; the other is to illustrate viewpoints by means of painting. The inner meaning revealed by conceptual paintings is closely related to the overall cultural symbols. With comprehensive intuition, viewers can interpret them based on their personal psychology and "worldview". Although Chinese contemporary art has only developed for a few decades, in this extremely transformative era of society, various issues focusing on the times and individuals are constantly being discussed in the field of art. From globalization to anti-globalization, painting needs to do something to participate in the history and changes of this era within the continuous evolution of the post-epidemic era.
Since the beginning of the last century, when artists had reconsidered the survival condition of painting during the intervening years between World War II and the Cold War, abstractism had also experienced the lows and highs in the United States and Europe. So far it has widely influenced and impacted the post-war history of painting. The development of contemporary painting in China also started from here. Today, we are still conducting various innovations and experiments in the abstract forms of painting. From early abstract expressionism, to its re-boom in Germany, to minimalism and accidental art, the representation of abstract paintings has been deduced and repeated continuously. The more we emphasize the artists’ “individuality”, the more they are a complete and unified community that cannot be separated from each other. Zhu Jinshi devotes himself to continuous exploration and thinking in contemporary painting. His impasto embodies the layers of time, filling with his thoughts on "things" and a strong oriental philosophy. His painting is also the painting of body, its process is just the practice of expressing his abstract ideas and personal will. Tan Ping's works are full of possibilities and openness. It is the many "unfinished" works that constitute his overall artistic appearance in painting, returning to the most essential relationship between an artist and his creations. Liu Ke presents his latest work in this exhibition which is derived from his whirlpool series. The painting brings an expression that breaks the structure and reason, and the changing lines with its rhythm accurately express a confrontational force and momentary emotion. The confrontation is not only the conflict of reality, but also the wrestling among the intrinsic components of the painting. Zhou Li's works combine her personal experience, daily life and ideal, and they possess a high degree of oriental aesthetic value which is the highest level of integration of personal spirit and art. There is a fertile ground of spirit in her heart where she is constantly approaching through artistic means. Her works show us the powerful force of nature as the subject. Ma Ke presents this year’s new works Journey to the West - The Cave of the Silken Web, Gazing and an old work God’s tears in 2020 in this exhibition. The new works present two almost identical illustrations on both sides of one subject, and the narratives beneath the images are vaguely related. Ma Ke's paintings are allegorical, and on the basis of the text, he adds a unique method of composing images to form a vision that allows viewers to leave the symbol itself and make boundless associations. It is because of the individuality of the artists that parallel comparison of artist samples with consideration on longitudinal development of history makes the contemporary language system of abstract painting. In this exhibition, we can see that traditional oriental writing closely forms an outward and inner connection with Eastern and Western philosophy, which is the dialectics of the body and one’s own worldview, and the heart source. Another kind of abstract painting is highly narrative, as Rosenberg said: "What was to go on the canvas, was not a picture but an event." Indeed, we do not need to use some kind of deconstruction method to deconstruct the image. The deconstruction of the image in viewing is just like seeing only a small piece of the whole, thus we still need to return to the individuality of the artists, emphasize individual artists’ perspective of narrative and continue to follow the consensus that Barnett Newman mentioned in the manifesto, which is the "old consensus" of the language of painting.
We can also see the return of painting at the recent Venice Biennale. The returning trend of painting may have quietly started long ago, or it may never have been far from this era of contemporary art. We can find that postcolonialism and political issues of identity have always been hot topics of discussion in large international biennales and film festivals in the past two decades. Painting still has an important place in the biennales and participates in discussion of these topics. It is the ideal of simplicity that drives more and more people to participate in the movement of painting, thus we can see that even in a two-dimensional world, we can tell a vivid story to accomplish self-expression as well as the multiplicity and validity of social narratives. The story of painting has continued, and it is even more exciting. We will also continue to think: In what idiomatic way do we generalize the art of painting in the past and interpret the paintings in the present? Hopefully the exhibition can give some inspiration to us.
Zhu Tong
2020.5.20
展覽現(xiàn)場
壹美美術館成立三周年特展《繪畫的故事——以個人為敘事的中國繪畫史》展覽現(xiàn)場
18位中國當代頗具影響力的藝術名家匯聚一堂，演繹繪畫背后“生動的故事”
藝術家朱金石最大尺幅作品《琴聲在風中扮演的角色》首次在壹美美術館中庭展出
藝術家、策展人簡介（以拼音為序）
陳飛
陳飛，1983年出生于中國山西洪洞，2005年畢業(yè)于北京電影學院美術系。
部分個展
2021 “早集” 余德耀美術館 中國上海
2019 “團圓” 貝浩登 美國紐約
2017 “美術” 貝浩登 法國巴黎
2016 “來日方長” 麥勒畫廊 瑞士琉森及中國北京
2014 “我和肉” 貝浩登 中國香港
2012 “超乎想象” 奧利維亞畫廊 英國倫敦
2011 “陌生人” 今日美術館 中國北京
范勃 FAN BO
范勃，1966年生于天津，著名藝術家。本科、碩士、博士分別畢業(yè)于天津美術學院、廣州美術學院、中央美術學院?，F(xiàn)為廣州美術學院副院長、學術委員會主任、二級教授、博士生導師。作為一個藝術家，范勃以各種切身的題材、媒介和文本探求人的內(nèi)心世界和不同社會角色的置換。從探究一種時代精神開始，到重審視知覺能力的創(chuàng)作實驗，范勃始終保持著敏銳與果敢，其作品發(fā)展經(jīng)歷了具象和觀念化的漫長歷程，始終力圖表現(xiàn)不可見和不可觸及的人類內(nèi)心世界。
部分個展
2021 “游弋的謎語” 廣東省當代藝術中心 廣州 中國
2020 “無形的劇場” 今日美術館 北京 中國
2019 “回到現(xiàn)場” 三域·匯 廣州 中國
2017 “瀲滟” e當代美術館 深圳 中國
2016 “平行//范勃” 藝瑯國際 北京 中國
2015 “幻象現(xiàn)實” K空間 成都 中國
2011 “曳游” 廣州大劇院 廣州 中國
郭祖昌
GUO ZUCHANG
郭祖昌，1974年12月生于湖南，現(xiàn)任廣州美術學院油畫系教授，博士生導師，第二工作室主任，中國油畫學會理事，廣東省美協(xié)油畫藝委會副秘書長。
部分個展
2019 “原鄉(xiāng)•時間軸：郭祖昌作品展” 肯普滕美術館 德國肯普滕
2019 “社會結構中的原鄉(xiāng)：郭祖昌作品展” 市立Domagk50展館 德國慕尼黑
2019 “解域--世相考古：郭祖昌作品展” 廣州美術學院美術館 中國廣州
何多苓
HE DUOLING
何多苓，1948年出生于中國四川成都，1982年畢業(yè)于四川美術學院油畫系，現(xiàn)工作生活于成都。
部分個展
2020 “遠雷” 當代唐人藝術中心 中國香港
2019 “野園 - 何多苓個人作品展” 四川美術館 中國成都
2019 “懸庭：何多苓×水雁飛藝術展” 昆明當代藝術館 中國昆明
2018 “何多苓：頑固的藝術” 保利香港藝術空間 中國香港
2018 “山光水氣 - 何多苓個展” 西安美術館 中國西安
2018 “何多苓自選集 1986 - 2018” 何多苓美術館 中國成都
2008 “何多苓2007新作展” 環(huán)碧堂畫廊 中國北京
黃一山
HUANG YISHAN
黃一山，1983年出生于廣東汕頭，2009年畢業(yè)于廣州美術學院研究生班，現(xiàn)任教于廣州美術學院油畫系。
部分個展
2021 “迷津” ART021個?項? 上海
2019 “???” 當代唐?藝術中? 北京
2019 “?涉：???個展” ?東美術館 ?州
2018 “miniQ-???2018個?項?” 新氧藝O2ART SPACE 北京
2013 “?格物——形?下的空間敘事” 瞳空間 北京
2017 “維摹變” 當代唐?藝術中? ?港
2016 “半開的?” ART CENTRAL個?項? ?港
劉可
LIU KE
劉可，1976年出生于湖南寧鄉(xiāng)，現(xiàn)工作生活于廣州。2003年研究生畢業(yè)于廣州美術學院油畫系。廣州美術學院繪畫藝術學院副院長、油畫系主任、教授。華僑城盒子美術館執(zhí)行館長。
部分個展
2021 “我的心即漩渦—劉可作品展” 壹美美術館 北京 中國
2021 “每一天都是最后一天，每一天都是第一天” K空間 成都 中國
2019 “原鄉(xiāng)的抽象與具像：劉可藝術展” 慕尼黑國家工作室展廊 慕尼黑 德國
2019 “通道：劉可個展” 廣州美術學院美術館 廣州 中國
2019 “原鄉(xiāng)•時間軸：劉可作品” 肯普滕美術館 肯普滕 德國
2018 “圣維克多山，劉可” 蜂巢（深圳）當代藝術中心 深圳 中國
2015 “蔚藍之上的聆聽” 蜂巢當代藝術中心 北京 中國
羅荃木
LUO QUANMU
羅荃木，1965年生于江蘇南通。1990年畢業(yè)于南京師范大學?，F(xiàn)生活工作于南京。曾在蘇州博物館/北京今日美術館，上海/北京/臺北亦安畫廊及Gallery JChen等藝術機構舉辦個人展覽。曾多次受邀參加日本福岡亞洲美術館、意大利曼特尼亞美術館、成都當代美術館、當代唐人藝術中心（泰國曼谷）、法國巴黎泰勒基金會、北京國家會議中心、舊金山亞洲藝術博物館、英國倫敦路易斯布羅恩基金會、維也納奧地利Kunstraum Noe Niederösterreichische美術館、南京博物院等重要聯(lián)展。
馬軻
MA KE
馬軻，1970年，出生于中國山東淄博。1994年畢業(yè)于天津美術學院油畫系，獲得學士學位。1994-2002執(zhí)教于天津美術學院油畫系。1998-1999支教東北非厄立特里亞。2005年畢業(yè)于中央美術學院油畫系，獲得碩士學位。現(xiàn)工作生活于北京。
部分個展
2021 “窟窿——馬軻的繪畫” 上海民生現(xiàn)代美術館 中國上海
2020 “馬軻” 三遠當代藝術中心 中國北京
2018 “馬軻” Galerie Rüdiger Schöttle 德國慕尼黑
2016 “馬軻” 站臺中國當代藝術機構 中國北京
2014 “成語故事——馬軻個展” Marc Selwyn Fine Art 美國洛杉磯
2013 “證據(jù)——馬軻個展” 站臺中國當代藝術機構 中國香港
2012 “杯弓蛇影” 站臺中國當代藝術機構 中國北京
龐茂琨
PANG MAOKUN
龐茂琨，1963年生于重慶，1978年至1981年就讀于四川美術學院附中，1981年至1988年就讀于四川美術學院油畫系并獲油畫專業(yè)碩士學位，現(xiàn)為中國美術家協(xié)會副主席，四川美術學院院長、重慶文聯(lián)副主席、重慶美術家協(xié)會主席，中國美術家協(xié)會油畫藝委會主任,上海大學美術學院博士生導師，西安美術學院博士生導師。
部分個展
2020 “龐茂琨：副本2020” 上海龍美術館西岸館 上海
2019 “相遇此在——龐茂琨藝術展” 民生現(xiàn)代美術館 北京
2018 “歷史的現(xiàn)實性——龐茂琨作品展” 美第奇·迪卡爾宮 意大利佛羅倫薩
2018 “賦格與重置——龐茂琨作品展” 海上藝術中心 深圳
2017 “折疊的肖像——龐茂琨新作展” 藝瑯國際 北京
2016 “手繪之謎——龐茂琨手稿研究” 展合美術館 武漢
2015 “迷宮：龐茂琨藝術中的視覺秩序與圖像生產(chǎn)” 今日美術館 北京
譚平
TAN PING
譚平，1960年生于河北，現(xiàn)為中國藝術研究院教授，博士生導師；1984年畢業(yè)于中央美術學院版畫系并留校任教；1989年至1994年，獲得DAAD獎學金留學德國柏林藝術大學自由繪畫系。2002年，任中央美術學院設計學院院長；2003年，任中央美術學院副院長。2014年，任中國藝術研究院副院長，中國美術家協(xié)會實驗藝術委員會主任，國家當代藝術研究中心主任。
部分個展
2020 “2020：譚平場域創(chuàng)作” 雅昌藝術中心美術館 中國深圳
2019 “雙重奏：譚平回顧展” 余德耀美術館 中國上海
2018 “譚平1993：兩個模數(shù)的開始” 站臺中國 中國北京
2017 “譚平” 霍森斯現(xiàn)代美術館 丹麥霍森斯
2017 “形式力場”譚平個展 獅語畫廊 中國上海
2017 “……” 元典美術館 中國北京
2017 “不確定性中的確定性”譚平抽象繪畫展 獅語畫廊 中國香港
閆平
YAN PING
閆平，女，出生于山東省濟南市。中國人民大學教授、中國美術家協(xié)會副主席、中國油畫家學副會長、中國美術館學術委員會委員。
部分個展
2001年 中國美術館舉辦閆平個展
2002年 香港大會堂舉辦個展
2002年 新加坡舉辦個展
2006年 上海美術館舉辦個展
2011年 時代美術館舉辦個展
2011年 筑中美術館舉辦個展
2012年 西安美術館舉辦個展
尹朝陽
YIN ZHAOYANG
尹朝陽，1970年出生于河南省南陽市。1996年畢業(yè)于中央美術學院版畫系?，F(xiàn)居北京。
部分個展
2021 “浩瀚史—尹朝陽” 龍美術館（西岸館） 上海
2019 “隔江山色—尹朝陽” 玉蘭堂 北京
2019 “青綠—尹朝陽新作展” 唐人畫廊 香港
2019 “尹朝陽版畫作品展” 藝博畫廊 上海
2019 “尹朝陽：穿越火焰—黃山不是風景” 三尚當代藝術館 杭州
2017 “尹朝陽在嵩山” 玉蘭堂 北京
2017 “尹朝陽在嵩山” 蘇州博物館 蘇州
由金
YOU JIN
由金，1979生于遼寧沈陽。2001畢業(yè)于魯迅美術學院附中。2005畢業(yè)于魯迅美術學院視覺傳達設計系，獲學士學位。現(xiàn)居北京，職業(yè)藝術家。
部分個展
2021 “借喻” 68 Projects 柏林 德國
2016 “交錯通道” 芳草地當代藝術 香港 中國
2016 “異時空間” 環(huán)形替代空間 首爾 韓國
2013 “混沌的自由” Opera畫廊 日內(nèi)瓦 瑞士
2011 “在欲望中迷失” Opera畫廊 日內(nèi)瓦 瑞士
2009 “繼續(xù)亂碼” EGG畫廊 北京 中國
2008 “亂碼” 新時代畫廊 北京 中國
岳敏君
YUE MINJUN
1962年 生于黑龍江省大慶市
1985年 就讀于河北師范大學美術系
1989年 華北石油教育學院 教師
1990年-至今 獨立藝術家
部分個展
2020 “我們這個時代讓人迷惑不解的笑聲” Hangaram美術館 韓國首爾
2017 “再偶像中的原形·岳敏君” 湖北美術館個展 中國武漢
2015 “夜鶯——岳敏君個展” Brandts 13美術館 丹麥歐登塞
2014 “大臉畫——岳敏君新作展” 南京藝術學院美術館 中國南京
2013 “偶像制造——岳敏君個展” 澳門美術館 中國澳門
2012 “狂笑的影子——岳敏君個人回顧展” 卡地亞基金會 法國
2011 “路” 佩斯北京畫廊 中國北京
趙趙
ZHAO ZHAO
1982年生于中國新疆，現(xiàn)工作生活于北京與洛杉磯。
部分個展
2021 “趙趙個展” 當代唐人藝術中心第一空間 中國北京
2020 “白色” 當代唐人藝術中心第二空間 中國北京
2020 “粉色” 合藝術中心 中國北京
2020 “惡人與詩” 大未來林舍畫廊 中國臺灣
2019 “綠色” 松美術館 中國北京
2019 “控制” Mizuma 畫廊 新加坡
2019 “控制” Roberts Projects畫廊 美國洛杉磯
鐘飆
ZHONG BIAO
鐘飆，1968年生于重慶，1991年畢業(yè)于浙江美術學院（現(xiàn)中國美術學院）油畫系?，F(xiàn)為四川美術學院教授、中國美術家協(xié)會油畫藝委會委員、中國油畫學會理事、重慶油畫學會副會長。
部分個展
2020 “顯形——鐘飆的圖像世界” 合美術館 中國武漢
2020 “鐘飆——顯形” Kunstraum Villa Friede美術館 德國波恩
2020 “鐘飆——顯形” Osthaus Museum Hagen美術館 德國哈根
2019 “穿越——影像裝置中的洞見” 四川美術學院美術館 中國重慶
2018 “洞見云岡” 云岡石窟 中國大同
2016 “彼岸——鐘飆紐約個展” Klein Sun畫廊 美國紐約
2015 “切開時間——鐘飆個展” 中畫廊，中國北京
周力
ZHOU LI
周力，1991年畢業(yè)于中國廣州美術學院油畫系，1995-2003年，生活和工作于法國。曾任深圳畫院客座畫家、深圳大學設計藝術學院客座教授、深圳機場藝術顧問，在2015年被聘中山大學藝術文化創(chuàng)新與發(fā)展研究中心、抽象與當代藝術研究所所長。2013年至今，受聘于廣州美術學院客座教授。2015年至今，深圳OCAT歡樂海岸展區(qū)盒子藝術空間藝術總監(jiān)；2017年至今，順德華僑城盒子美術館藝術總監(jiān)；2019年至今，廣州美術學院油畫系第五工作室主任，坪山美術館學術委員。
部分個展
2022 “桃花源·跡” 坪山美術館 中國深圳
2020 “格林迷蹤” 廣東美術館 中國廣州
2019 “我站在窗的中間——心原” 白立方畫廊 英國倫敦
2017 “生生如環(huán)：周力個展” 蜂巢當代藝術中心 中國北京
2017 “周力：白影” 余德耀美術館 中國上海
2002 “窗中世界” Galerievereir Leonberg 德國
2001 “窗中世界 — 追憶” 個展 何香凝美術館 深圳
朱金石
ZHU JINSHI
1954出生于北京，中國
現(xiàn)在工作和生活于北京，中國
部分個展
2022 “意外美學” 當代唐人藝術中心 韓國首爾
2020 “李白雪–朱金石個展” 當代唐人藝術中心 中國香港
2020 “朱金石小畫作” BP云展 博倫坡畫廊 美國洛杉磯；美國紐約；日本東京
2020 “木·字” 合藝術中心（現(xiàn)為南池子美術館） 中國北京
2018 “甘家口303” 藝術門 中國上海
2018 “時間的船——朱金石” 當代唐人藝術中心 中國北京
2018 “拒絕河流——朱金石” 當代唐人藝術中心 中國北京
策展人 | 朱彤
ZHU TONG
當代藝術策展人，曾策劃過包括《未來考古學—第二屆中國藝術三年展》（南京博物院）、《書寫—首屆南京國際雙年展》（江蘇省美術館）、《朦朧—第54屆威尼斯藝術雙年展特別展》（意大利威尼斯）、《目光所及-后金融危機時代的中國新繪畫》（保利博物館，法國泰勒基金會，日本福岡亞洲美術館等）、《美麗新世界—南京第二屆國際美展》《無界-來自中國的當代藝術》（意大利曼特尼亞美術館）等多個國內(nèi)外重要展覽項目。曾出版《演變》《超越的維度》《幻想》等多部學術專著。
限時福利
在《繪畫的故事——以個人為敘事的中國繪畫史》開展后一周期間，將為每天兩位最早到館參觀的觀眾準備精美禮品。
主辦單位
北京實創(chuàng)科技園開發(fā)建設股份有限公司
承辦單位
北京市海淀區(qū)壹美美術館
協(xié)辦單位
北京市中關村永豐產(chǎn)業(yè)基地發(fā)展有限公司
北京實創(chuàng)億達科技服務有限公司
北京仲量聯(lián)行物業(yè)管理服務有限公司
支持單位
中共北京市海淀區(qū)委宣傳部
北京市海淀區(qū)文化和旅游局
北京市海淀區(qū)民政局
支持媒體
海淀區(qū)融媒體中心、西北旺融媒體中心、雅昌藝術網(wǎng)、藝術頭條APP、在藝APP
特別鳴謝
當代唐人藝術中心、PERROTIN貝浩登、三遠當代藝術中心、新氧藝O2art
免費觀展
開館時間：10:00 - 17:00（每周一閉館）
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因北京市疫情防控要求，觀眾進入場館須規(guī)范佩戴口罩，按要求出示“雙碼”（北京居民健康碼和通訊大數(shù)據(jù)行程卡），“彈窗”及非“綠碼”一律不得入館。展覽期間實行實名制預約、錯峰、限流參觀。預約方式：搜索壹美美術館小程序，點擊展覽預約并發(fā)送真實姓名+電話號碼。
