K空間新展“鉆天坡” | 六位中國青年藝術(shù)家的藝術(shù)探險之路

5月29日，匯集了六位優(yōu)秀青年藝術(shù)家的群展《鉆天坡》在成都K空間開幕。展覽展出的藝術(shù)家包括了70后藝術(shù)家秦琦，80后藝術(shù)家楊勛、趙趙、蔡磊、吳丹波、臧坤坤。

展覽名“鉆天坡”取自中國四大佛教名山之一峨眉山中的著名險坡，該坡垂直高度300米，直上2.5千米，最陡處接近80度，如登天梯，俗呼“鷓鴣鉆天”,是最考驗登山者體力、耐力和膽量所在。

當下青年藝術(shù)家在藝術(shù)創(chuàng)作的道路上猶如登山爬坡，不僅考驗藝術(shù)家的才華，更要經(jīng)過長時間的考驗方能登上高處，看到不一樣的風景。

當代藝術(shù)的發(fā)展隨著政治、經(jīng)濟格局的變化而時時都處在嬗變當中，全球化文化背景下，形形色色的觀念藝術(shù)日益多元，但架上繪畫仍具有頑強而蓬勃的生命力。

作為70年代出生的藝術(shù)家，秦琦的繪畫具有同時代藝術(shù)家的一些典型特征：以自我表達為核心，以自我經(jīng)驗為出發(fā)點，建立起一種融合現(xiàn)實性、想像性及虛構(gòu)性的視覺表現(xiàn)體系。

秦琦的獨特不僅在于他多變的風格，更在于他在其中一直堅持并逐漸成熟的寓言性探索——逐漸放棄對現(xiàn)實事物的直接使用，而轉(zhuǎn)入對事物中具有自我特征和典型性的一面進行捕捉。 秦琦近幾年的創(chuàng)作中，總能看到歷史風情畫的雄壯身影和糅合浪漫主義、古典主義的鼎盛傳統(tǒng)：故事、語言、現(xiàn)實、歷史和理想主義，這些過去繪畫所追求的恢弘主題，在秦琦的創(chuàng)作中反復(fù)出現(xiàn)。它也造就了秦琦的獨特魅力，在題材上的無限自由，在藝術(shù)風格上的豐富多樣，靜物、人物、民俗歷史、自然風光，在秦琦相同或不同的系列中來回交錯，自由穿梭。

趙趙在作品中的大膽、跨界為人稱道，他近些年的創(chuàng)作運用多種媒介對現(xiàn)實題材以及藝術(shù)形態(tài)進行轉(zhuǎn)換，著重探討個體意識與其所處的社會領(lǐng)域的關(guān)系。他在創(chuàng)作中關(guān)注并展現(xiàn)處于多元文化影響下人類內(nèi)心的微妙變化，暗喻當今全球背景下人們的生活境遇以及在現(xiàn)代社會中的真實狀態(tài)。 趙趙用古典細筆劃的技法，繪制了這件《無題》。玻璃的裂紋被塑造成一條條明確而又寫實的線條，成為純粹的技術(shù)挑戰(zhàn)。裂縫的細節(jié)部分被剔除，只留下粗略的主干，在深邃的藍色背景上，猶如荒原中的雜草，毫無頭緒的印痕。

此次展覽既有其代表作《無題》，也有最新的《神像》系列。趙趙在西域佛教遺址或是絲綢之路遺存的圖片上，重新涂畫、書寫早已消失的“天書”。

這些遺跡有唐代的開元通寶，貴霜帝國的古城，巴基斯坦的佛像等，使用的文字有吐火羅文、塞語、栗特語、婆羅米文等。曾經(jīng)顯赫的王朝和文明，如今早已不知所終，只是留下一些殘垣斷壁和只言片語。

《神像》系列趙趙將這些殘缺不全的信息重新組合，用多種文字圖畫成神秘、陌生卻又有些似曾相識的信息。精準的圖像和確切的文字，在這里成了無法辨認的符號。

近些年臧坤坤在繪畫、繪畫對象和畫中物體之間建立了一種平等，而非主次之分的聯(lián)系，其關(guān)注點也從色彩、筆觸和形體轉(zhuǎn)移到探索物體、形式、觀念和不同感官體驗之間的微妙關(guān)系和結(jié)構(gòu)構(gòu)成上。他脫離了古板教條的繪畫方式，行走在一條無邊界的自由創(chuàng)作路徑上。 臧坤坤介紹此次參展的繪畫作品《調(diào)和(VI)》，第一層采用了書法飄逸輕盈的線條，第二層用厚重偏浮雕的元素去覆蓋第一層，變成一個輕與重的對比，表達的是各個元素間的碰撞和自洽。

通過對工業(yè)媒介，包括日常生活用品的運用，臧坤坤的裝置和繪畫涵蓋了如城市化及其帶來的社會效應(yīng)、時間的流逝以及受限于時空的維度等主題。 裝置作品《直立(II)》，表面看像是翻模的傳統(tǒng)，其實是現(xiàn)成品的組合，藝術(shù)家長時間地用木槌敲擊，刻意規(guī)避掉了翻模，噴漆這樣速成的手段，這兩件形式不同的作品在結(jié)構(gòu)上其實也存在著某呼應(yīng)。

來自重慶的藝術(shù)家吳丹波善于使用綜合材料的方式去完成“同質(zhì)”與“重組”的過程，他通過使用不同材質(zhì)與類型的繪畫顏料，在不同的基底上，在一定的濕度與溫度的環(huán)境中，通過時間的作用力使其龜裂，同質(zhì)化為類似的碎片材料，通過對這種類似古代濕壁畫碎片的材料，進行畫面的圖像重組，強調(diào)“質(zhì)感”在繪畫中“顯性”的重要性。 展出的4件作品都是藝術(shù)家2019至2020年的創(chuàng)作。敘事上吳丹波的作品充滿了神秘與未知，似乎是某種宗教儀軌或神話故事的片段，對其重新詮釋，模糊化其原本的內(nèi)容與意義，形成視覺上獨有的敘事場域，而這種獨有的敘事場域都只為表達一種莎士比亞戲劇式的金碧輝煌，一種神秘，未知，恐怖，迷人的視覺圖像。

比如《神燈》展翅的形象其實是各民族神話里的普遍化形象，而各民族神話故事與宗教儀軌都有“同質(zhì)”化的部分，在人類漫長造神運動史中它代表著另外一個想象中世界的引導(dǎo)者，一種符號化的神像。

楊勛的繪畫與傳統(tǒng)的關(guān)系千絲萬縷卻又理性克制，他的工作看起來像是在試圖復(fù)活某種傳統(tǒng)，特別是在美學(xué)上。作品帶著一絲不屬于他這個年齡與時代的氣息，他也被稱為“新東方美學(xué)”年輕一代的代表。

楊勛這次選擇了三件創(chuàng)作跨度長達十年的作品，這些作品背后藝術(shù)家解釋其實有著兩條線索：和傳統(tǒng)對話，在傳統(tǒng)中與當下發(fā)生關(guān)系，另一個則是用光去探索世間萬物，光是對人物的消解，每個人對人物身份的解讀都不一樣。

這件《悟 no.1》也是其戲劇人物作品的第一件，《光，一切從這里開始》則完全拋棄了具象的圖像表達，選擇了具有極簡意味的帷幕，只表達光本身，其實是和之前狀態(tài)的重新出發(fā)。

楊勛通過作品對古代傳統(tǒng)經(jīng)典于精神層面發(fā)起對話，如果說楊勛畫竹是向古代文人致敬，讓竹代表當下的一種秩序和城市的一種未來感的話，對于“光”，楊勛則說這是媒介，能讓你進入到“心”看不到的地方。

畢業(yè)于中央美院雕塑系的藝術(shù)家蔡磊是一位十分重視形式表達的藝術(shù)家，作品有著濃郁的構(gòu)成主義特點。然而在作為表象的形式背后，對所謂“有意味的形式”似乎并不是蔡磊真正的追求。雖然作品的語匯仍具有現(xiàn)代主義的特征，但內(nèi)部的形式并不是自律的、靜態(tài)的、封閉的，反而充滿了不確定性、不穩(wěn)定感。

蔡磊很善于用雕塑語言去處理繪畫空間，此作品展現(xiàn)的是壓縮后呈透視狀態(tài)的房間和通道。不同的是，透視的房間通道經(jīng)過前后壓縮，再左右二次壓縮，改變觀看角度和強調(diào)空間對心理的暗示，看得出這是蔡磊心目中對于原來透視主題作品的推進。

蔡磊的藝術(shù)實踐顯露出平面性的興趣，以空間錯覺概念描繪二維轉(zhuǎn)變成三維的空間縱深感。無論在繪畫及浮雕的創(chuàng)作上，蔡磊擅長利用光影色調(diào)強化空間的錯覺，并把這種知覺沖突凸顯在繪畫空間中的平面走廊或角落，使觀眾體會繪畫中物理平面性與真實空間性之間的張?和轉(zhuǎn)換。 在面對當代藝術(shù)豐富多彩的變化和殘酷競爭的背景下，通過展出他們不同面貌的藝術(shù)創(chuàng)作，呈現(xiàn)青年藝術(shù)家如何在各自藝術(shù)之路上挑戰(zhàn)自我、攀越藝術(shù)道路上似鉆天坡這樣險峻而崎嶇的藝術(shù)道路，重塑中國乃至世界當代藝術(shù)未來發(fā)展的無限可能。 展覽將持續(xù)至7月18日。